Contenido

• etapas
• Parte 1 de 3:
  Diseña tu película animada (fase de preproducción)
• Parte 2 de 3:
  Crea tu película de animación (fase de producción)
• Parte 3 de 3:
  Finaliza tu película animada (postproducción)
• asesoramiento
• advertencias

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Como cualquier forma de arte, la animación es subjetiva y hay tantas maneras de diseñar una película animada como los directores. Sin embargo, hay pasos simples y esenciales que aprenderá a dominar mediante la práctica. Si eres nuevo en el campo, comienza con proyectos simples. Podrá asimilar las técnicas básicas mientras desarrolla su propio estilo. TI ha revolucionado el mundo de la animación, haciéndolo más accesible. Sin embargo, como cualquier creación, hacer una película animada requiere tiempo y organización. Sigue los consejos de para aprender a crear un cortometraje animado.

etapas

Parte 1 de 3:
Diseña tu película animada (fase de preproducción)

1. 1 Escribe tu guión. La fase de preproducción de una película, cualquiera que sea, comienza con la escritura de un escenario coherente y atractivo. Esto es tanto más cierto en una película animada porque no deja espacio para la improvisación. De hecho, crear una animación como y cuando sin ninguna base lleva mucho tiempo. Redacta tu sinopsis en unas pocas líneas en un medio simple como un cuaderno o un documento de computadora, luego transcríbela en un escenario legible. También puede usar software de script scripture como celtx, Borrador final, Dueto de escritor... Un escenario no es una narración literaria. Es una herramienta de trabajo cuyo diseño es similar al de una obra de teatro. Cada escena se detalla como si la estuvieras viendo. Tenga en cuenta que una página de escenario es aproximadamente un minuto de película. A menos que quiera convertirse en guionista, puede escribir su guión sin preocuparse por las reglas vinculantes. Sin embargo, un escenario debe incluir algunos elementos básicos.
   • Defina el tema general de su historia para guiar su historia. No es necesario elegir un tema complejo o controvertido. Trabaja en temas simples como la vida cotidiana o las experiencias de la vida. También puedes escribir tu historia según un género: comedia, romance, drama ...
   • Redacta los personajes. Pueden ser personas, animales o incluso puntuación como en el escenario El punto y la línea, Ganador del Oscar en 1966.
   • Describe el escenario y la atmósfera de tu película. Estos elementos son fundamentales, siempre que puedan reutilizarse en diferentes etapas de la creación de su película.
   • Por obvio que parezca, debe recordarse que su historia debe tener un comienzo, un curso coherente y un final. Algunas historias no siguen esta estructura y, a veces, no tienen personajes claramente identificados. Incluso si no es una obligación, divida su historia en tres partes principales para dar un esqueleto básico a su escenario.
     • El primer acto presenta al protagonista y describe los obstáculos que enfrentará. El evento desencadenante de la historia permite pasar al segundo acto. Puede ser un cambio en el estado del personaje, un cambio en su vida, como un nuevo encuentro, una transformación del mundo que dura ...
     • El segundo acto relata las aventuras del personaje. Este juego generalmente termina con un rebote que crea incertidumbre sobre el destino final del protagonista o redefine las apuestas de su búsqueda (clímax). Por ejemplo, suponga que su personaje tiene hambre y va a una tienda de comestibles. Al estar cerrado, debe encontrar otra manera de restaurar, lo que puede conducir a una serie de eventos que conducen a un nuevo objetivo.
     • El tercer acto describe la última etapa de las aventuras del personaje. Ella resuelve sus conflictos internos y externos y concluye su búsqueda, que puede ser un éxito o un fracaso.
2. 2 Dibuja tus personajes. Haz tantos bocetos como sea necesario para finalizar sus posturas, sus expresiones, sus disfraces ... Debes desarrollar completamente tus personajes. La animación permite una gran libertad visual, puedes dar rienda suelta a tus ideas.
3. 3 Crear un guión gráfico (o guión gráfico en inglés). Se trata de descomponer la película en varios planos para preparar la producción. Sin ser meticulosamente detallado, cada plan es un boceto para definir el encuadre y el corte de la película. El guión gráfico da como resultado una versión ilustrada de la película de historietas, cada una de las cuales parece una viñeta. Puede crear su propio guión gráfico o inspirarse en una plantilla.
   • Un plano se compone de una imagen dibujada en un marco rectangular. Describe la acción y la actitud de los personajes. La decoración es un elemento secundario.
   • Planifique un área fuera de la caja para agregar anotaciones. Especifique el contenido de los diálogos, así como los efectos técnicos como el disparo, la adición de un efecto especial, el movimiento de la cámara ...
4. 4 Importe su guión gráfico a su software. Guarde cada plan por separado y asígnele un nombre para que pueda encontrarlo fácilmente. Luego importe los planes a su software y organícelos en orden cronológico.
   • El programa Adobe After Effects Es uno de los programas de creación de películas más populares. Dicho esto, hay una gran variedad de ellos: iMovie, Windows Movie Maker, Final Cut Pro, primero…
5. 5 Visualice su guión gráfico en forma animada. Lanimatique es una técnica de filmar el guión gráfico para obtener una versión en video. Permite crear un modelo de la película y realizar las primeras modificaciones, como un ajuste de la duración, la instalación de las conexiones ... Aunque esta etapa parece complicada, es fácil de realizar con un software adecuado.
   • Busque ejemplos de animales en línea. El video musical de la canción. Feel Good Inc del grupo Gorillaz es una ilustración de este proceso.
   • En esta etapa, se realizan los cambios necesarios, como una mudanza, una eliminación o un cambio de plan. Esto difiere de hacer una película clásica en la que se filman todas las escenas antes de editarlas. Por lo tanto, el animal es un paso esencial en la creación de su película.
6. 6 Grabar diálogos y efectos de sonido. Una vez que se encuentra el ritmo de desplazamiento de los planos, debe incorporar la banda sonora (voz, música, efectos de sonido). Sincronice los ritmos visuales y sonoros y compruebe que coinciden. Asegúrese de que los personajes tengan tiempo para entregar sus réplicas. Para esto, puede grabar un testigo de doblaje o determinar usted mismo el movimiento de los labios leyendo los diálogos. Si es necesario, ajuste la duración de su clip.
   • La sincronización entre imágenes y sonidos debe ser perfecta. De lo contrario, su película puede perder calidad y credibilidad. Tenga en cuenta que, a diferencia de una película clásica, se puede grabar una película de animación antes de editarla. Esto le da cierta libertad al duplicador y limita los problemas de sincronización de labios.
7. 7 Activa la lectura de tu animatic. El clip básico obtenido en esta etapa es un segundo modelo de su película. Verifique la sincronización de imágenes y sonidos y la fluidez de los accesorios.
   • Puede experimentar con efectos especiales: panorama, zoom, transición entre escenas ...
8. 8 Invierte en una tableta. Este tipo de dispositivo le permite controlar mejor la animación gracias al lápiz. De hecho, puede dibujar directamente en la pantalla, lo cual es más fácil de lograr que con un mouse. Para crear una película animada, una tableta puede ser casi indispensable. publicidad

Parte 2 de 3:
Crea tu película de animación (fase de producción)

1. 1 Elige tu tipo de animación. Elija un programa de software que se adapte a su experiencia, equipo y estilo de animación deseado. Por ejemplo, no puede crear una animación tridimensional con una computadora que tenga capacidades gráficas bajas. Hay una gran cantidad de software de animación, cada uno con sus ventajas y desventajas.
   • La animación en dos dimensiones es la de los dibujos animados clásicos. Antes del uso de la tecnología informática, los dibujos se hicieron a mano por separado antes de ser filmados. Desde los años 90, estos pasos se realizan más rápidamente gracias a un software cada vez más sofisticado. Para su creación, puede optar por synfig, Lápiz 2D, Toon Boom o Adobe Photoshop . Para obtener una secuencia animada suave, se requieren de 12 a 24 cuadros por segundo.
   • La animación tridimensional apareció con películas de estudio. Pixar tales como Toy Story, primer éxito de este tipo o El mundo de Nemo. Este tipo de animación es un híbrido entre creación artística y programación de computadoras. De hecho, es necesario crear el personaje para luego aplicarle una codificación asociada con un movimiento. Luego tienes que integrar el paisaje, los ures, los juegos de sombras y luces ... Esto es difícil de dominar y requiere un software específico como Sketchup, Autodesk, Poser Pro...
   • Animación cuadro por cuadro o en cuadro detener el movimiento Es más accesible. Consiste en hacer una serie de disparos de un objeto que se mueve muy ligeramente en cada pose. Las imágenes se filman para crear el movimiento. Para una imagen animada uniforme, necesita al menos 12 instantáneas por segundo. El tema de su película puede ser una figura que puede crear, un dibujo, una forma de papel o incluso una persona real.
   • La rotoscopia es una técnica para transformar escenas filmadas en dibujos animados. El proceso consiste en filmar una escena y luego dividirla en varias imágenes. Estos se reproducen por separado en una hoja y luego se fotografían. Las tomas se filman para crear una caricatura. Esta técnica ha sido utilizada en particular por Walt Disney para la creación de Blancanieves y los siete enanitos (1937) y actualizado por Richard Linklater en su película Un escáner oscuro (2006).
2. 2 Dibuja tus decoraciones. El fondo es la parte fija de la imagen con la que el personaje no tiene interacción. Al dividir una capa en capas (escena de acción y fondo), puede reutilizar el mismo fondo para múltiples cuadros de acción. Será suficiente superponer las capas por transparencia. Dibuja tu fondo completo y lo más detallado posible. Realice un escaneo de alta resolución antes de cargarlo en su software. Podrá ampliar algunas áreas sin temor al efecto borroso o la distorsión de la imagen. Por ejemplo, suponga una escena en la que dos personajes están charlando en un café. Lidéal es dibujar todos los detalles del establecimiento y el paisaje circundante. Por lo tanto, si desea ampliar la cabeza de uno de los personajes, simplemente corte y pegue la parte necesaria de la decoración sin tener que volver a dibujarla por completo.
3. 3 Realizar la animación plan por plan. Este paso es largo y complejo. Cada acción debe dividirse en varias fases principales alrededor de las cuales se crea el movimiento del personaje. Cada fase da lugar a un dibujo intermedio. Por ejemplo, supongamos una escena de lucha en la que el protagonista da un puñetazo a su oponente. Se puede dividir en tres fases correspondientes a tantos dibujos intermedios.
   • La primera fase se refiere a la actitud del personaje frente a la lucha que se avecina: sorpresa, ira, determinación, indiferencia ...
   • La segunda fase representa al personaje en posición de ataque. Dibújalo armando su disparo sin preocuparse por la transición entre las dos fases.
   • La tercera fase es el final de la escena. Dibuja el personaje en el momento del impacto.
   • Puede aumentar el número de dibujos intermedios para crear un movimiento final más suave y complejo. Por ejemplo, puedes descomponer la escena de lucha de la siguiente manera: el personaje comienza a luchar, levanta el puño, los codos, arma el brazo, golpea, gira sobre sí mismo para retomar su posición. inicial.
4. 4 Ejecute los dibujos de transición. Completan los espacios entre los dibujos intermedios. Algún software realiza esta tarea y recrea un movimiento de los dibujos intermedios. Al comenzar, lo mejor es hacer este trabajo de Intervallist usted mismo.
   • Use dibujos intermedios para crear los planos que faltan. Cuantos más dibujos haga, más fluido y preciso será el movimiento.
   • Copie y pegue los elementos inmóviles de un dibujo a otro. Solo modifique el elemento móvil (personaje). Esto ahorra tiempo y mejora la representación final al limitar las aproximaciones entre los diferentes dibujos.
5. 5 Combina los diferentes elementos de tu película. La composición (o de composición) es el último paso para hacer la película. Consiste en ensamblar todos los componentes de la película, imagen por imagen. La técnica es más o menos compleja según el estilo de animación elegido.
   • Para una animación clásica, la composición es esencialmente crear una representación fluida sin tirones. Para esto, use software como Toon Boom.
   • Para una animación tridimensional, el trabajo es más complejo, porque debemos agregar los efectos de luz y oscuridad, ures ... Estos deben estar perfectamente integrados, lo que requiere un muy buen dominio del software.
   • Para la animación cuadro por cuadro (detener el movimiento), solo tiene que guardar sus imágenes y desplazarlas. Permita 12 a 24 disparos por segundo para obtener una representación fluida.
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Parte 3 de 3:
Finaliza tu película animada (postproducción)

1. 1 Grabe la banda sonora final de su película. Si es necesario, ajuste el doblaje de voz. Después de una primera visualización de la película, los dobladores redefinen con mayor precisión la actitud y el carácter de los personajes. Luego pueden ponerse en su lugar y garantizar un mejor doblaje.
   • En este punto, cambiar su animación lleva mucho tiempo, lo que justifica el cuidado que se tomó en la fase de preproducción.
2. 2 Ajusta los efectos de sonido. No deben tapar las voces de los dobladores. A veces es mejor grabar algunos sonidos antes de copiar. Por ejemplo, si ocurre una explosión, le permitirá al doblador transcribir mejor los sentimientos del personaje.
   • La banda sonora contribuye a la identidad de la película. Para funcionar correctamente, invierta en auriculares y altavoces de buena calidad.
3. 3 Proceder a la asamblea final. En principio, la fase de composición le ha permitido obtener una animación exitosa desde un punto de vista visual y sonoro. Sin embargo, una primera visita puede ser insatisfactoria. Si lo desea, puede volver a trabajar su película hasta que sea perfecta.
   • Si no está completamente satisfecho con su trabajo, no dude en cortar escenas innecesarias o cambiar la banda sonora.
   • Mira la película con gente fuera de ella. Le enviarán la crítica más objetiva y constructiva.
   • Concéntrese en la transición entre escenas, que debe ser fluida y cautivadora.
4. 4 Trae los toques finales. Termine su edición corrigiendo los efectos, transiciones, colores ... No se trata de comenzar el trabajo nuevamente. Si ha seguido los pasos, solo debe realizar cambios mínimos.
   • Puede agregar efectos de transición entre escenas: desvanecimiento, punto de mira, barrido ...
   • Puede incorporar filtros y efectos de color: sepia, blanco y negro, negativo ...
   • Termine integrando el título y los créditos al principio y eventualmente al final de la película.
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asesoramiento

• La fase de preproducción es crucial. Debes darle todo el tiempo que necesites. A veces los cineastas trabajan allí durante meses o incluso años.
• Puede insertar pasos intermedios de preproducción para ayudarlo a organizar la creación de la película. Por ejemplo, para dividir su historia en tomas, puede pasar por una fase de procesamiento (secuenciador) de describir en detalle cada acción de la historia. Del mismo modo, puede refinar el guión gráfico al detallar la puesta en escena de cada disparo.
• Comience con un proyecto muy simple, como un cortometraje de unos treinta segundos. Puedes desarrollar películas más complejas a medida que aprendes.
• Tómese el tiempo para trabajar cada escena una tras otra. Al crear una película, la precipitación es tu peor enemigo.

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• Tus primeros proyectos no serán perfectos. Eche un vistazo crítico a su trabajo para mejorar.

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